Musikgeschichte(n) aus der Quarantäne

Zusammenfassung 

Das 16. Jahr­hun­dert wird als Beginn der Neu­zeit bezeich­net. Die Renais­sance (ent­lehnt aus dem Fran­zö­si­schen: Wie­der­ge­burt) been­det das "dunk­le" Mit­tel­al­ter. Und natür­lich spie­geln die­se Ver­än­de­run­gen auch in der Musik deut­lich wider.

Wer hat's gemacht? 

Die­ser Arti­kel wur­de mit ♥ für Euch ver­fasst von Hen­ri­et­te. Hen­ri­et­te stu­dier­te Musik­wis­sen­schaf­ten in Wei­mar sowie klas­si­schen Gesang in Leip­zig und ist als frei­schaf­fen­de Sän­ge­rin tätig. Wäh­rend des Coro­na-Shut­downs unter­stützt sie die Scho­la Can­torum mit Bei­trä­gen zur Musik­ge­schich­te und beweist dabei: Wis­sen­schaft ist alles ande­re als graue Theorie!

Lesedauer 

Lese­dau­er: 10 Minu­ten • Musik­bei­spie­le: 18 Minuten

5. Kapitel: Die franko-flämische Vokalpolyphonie

Die Renaissance (15. und 16. Jahrhundert) 

Zu Beginn des 15. Jahr­hun­derts zeich­net sich eine neue Geis­tes­hal­tung ab, die die Welt ver­än­dern und Aus­wir­kun­gen auf alle Berei­che des Lebens haben soll­te: die Renais­sance. Sie prägt das 15. und 16. Jahr­hun­dert in Euro­pa auch in der Musik. "Renais­sance" heißt "Wie­der­ge­burt" und meint damit die Wie­der­ge­burt anti­ker Ideen. Die bei­den wich­tigs­ten, die auch in der Musik ihre Spu­ren hin­ter­las­sen, sind die folgenden:

 

1. Der Mensch ist ein schöp­fe­ri­sches und emp­find­sa­mes Wesen und steht im Mit­tel­punkt der Betrachtungen.

 

Die Modi (Ton­ar­ten) erhal­ten einen grö­ße­ren Stel­len­wert, denn sie erre­gen nach anti­kem Vor­bild ver­schie­de­ne Regun­gen beim Zuhö­rer. Ein Stück kann nun "schön" oder "nicht schön" sein: Der Klang ent­schei­det dar­über, nicht die feh­ler­freie Kon­zep­ti­on oder die Funk­ti­on des Stü­ckes. Der Kom­po­nist arbei­tet zwar wei­ter­hin nur mit Auf­trag und sei­ne Wer­ke sind einem Zweck unter­ge­ord­net, aller­dings wächst das Ver­ständ­nis dafür, dass es gute und schlech­te Kom­po­nis­ten, oder gar Genies gibt. Der Kom­po­nist ist im bes­ten Sin­ne nun ein "Künst­ler".

 

2. Die Natur soll nach­ge­ahmt werden.

 

Der Text soll mög­lichst wort­ge­treu und gemäß sei­ner Bedeu­tung ver­tont wer­den. Durch musi­ka­li­sche Rhe­to­rik wird das Wort mög­lichst natu­ra­lis­tisch abge­bil­det. So wird zum Bei­spiel der Rhyth­mus einer Melo­die von dem zugrun­de­lie­gen­den Wort bestimmt. Neu und wich­tig ist auch die Aus­deu­tung von Tex­ten (damit ver­bin­den sich 1. und 2.).

 

Michel­an­ge­los berühm­te Male­rei in der Six­ti­ni­schen Kapel­le ver­deut­licht die genann­ten Punk­te für die bil­den­de Kunst. Der Mensch ist ein Indi­vi­du­um, von Gott selbst berührt und erwählt. Die abge­bil­de­ten Kör­per sind so natu­ra­lis­tisch wie mög­lich (wenn auch sehr idea­lis­tisch) dar­ge­stellt. Übri­gens: Gott als Men­schen dar­zu­stel­len, wird in der Renais­sance über­haupt erst möglich.

 



Die Erschaf­fung Adams (Michel­an­ge­lo), Public domain, via Wiki­me­dia Commons

Die franko-flämische Vokalpolyphonie in der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts 

Die fran­ko-flä­mi­sche Vokal­po­ly­pho­nie (ffV) beginnt mit der Ver­schmel­zung der eng­li­schen, fran­zö­si­schen und ita­lie­ni­schen Musik des 14. Jahr­hun­derts in den Wer­ken von Guil­laume Dufay. Der etwas kom­pli­zier­te Name die­ser Epo­che trägt der Tat­sa­che Rech­nung, dass deren Ent­wick­lung von Kom­po­nis­ten aus­ging, die im Nor­den Frank­reichs ("fran­ko") und im Bereich des heu­ti­gen Bel­gi­en und der Nie­der­lan­de ("flä­misch") wirken.

 

Die welt­li­che Musik die­ses Epo­chen­ab­schnitts ist vor allem vom Chan­son geprägt, einem mehr­stim­mi­gen, tanz­ar­ti­gen Lied im Drei­er­takt. Dabei ori­en­tiert sich erst­mals der Rhyth­mus der Melo­die am ver­ton­ten Text. Unan­ge­foch­te­ner Meis­ter die­ser Chan­sons ist Gil­les Bin­chois, ein Musi­ker am Hof von Burgund.

 

 

Die geist­li­che Musik besteht im Wesent­li­chen aus fol­gen­den Gattungen:

 

Ver­to­nung des Mess­or­di­na­ri­ums: Hier ist beson­ders die Ténor­mes­se zu erwäh­nen. Sie legt allen Mess­sät­zen (Kyrie, Glo­ria, Cre­do, Sanc­tus und Agnus Dei) den glei­chen Can­tus fir­mus (oder eben Ténor) zugrun­de und schafft damit eine Ein­heit inner­halb der Messe.

 

Motet­ten der fran­ko-flä­mi­schen Vokal­po­ly­pho­nie sind vor allem geist­li­chen Inhalts und vier­stim­mig besetzt. Der Text bestimmt oft schon die Form und den Aus­druck der Musik. Allen Stim­men liegt wie­der der sel­be Text zugrunde.

 

Eini­ge wei­te­re kom­po­si­to­ri­sche Merk­ma­le sind von beson­de­rer Bedeu­tung. So ori­en­tiert sich die Melo­die des Can­tus fir­mus mehr und mehr hin zur höchs­ten Stim­me, dem "Dis­kant". Die "Imi­ta­ti­on" (also die gegen­sei­ti­ge Nach­ah­mung von Stim­men) wird als Kom­po­si­ti­ons­prin­zip ent­wi­ckelt. Auf­fal­lend ist auch, dass alle Stim­men "gesang­lich flie­ßen". Der Ein­fluss der Instru­men­tal­mu­sik wird zudem immer gerin­ger, sodass die rei­ne Vokal­mu­sik in den Vor­der­grund tritt.

 

Die franko-flämische Vokalpolyphonie in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts 
In der zwei­ten Hälf­te des 15. Jahr­hun­derts kon­zen­trie­ren sich die Kom­po­nis­ten vor allem auf die Kir­chen­mu­sik. Ande­re Gat­tun­gen tre­ten eher in den Hin­ter­grund. Das in den Jah­ren zuvor ent­wi­ckel­te Prin­zip der Imi­ta­ti­on wird immer wei­ter ent­wi­ckelt. Dies führt dazu, dass sich alle Stim­men einer Kom­po­si­ti­on gegen­sei­tig nach­ah­men und sich dadurch gleich­be­rech­tigt gegen­über­ste­hen. Beför­dert wird dies dadurch, dass der Can­tus fir­mus (der nach wie vor einer Kom­po­si­ti­on zugrun­de liegt) durch alle Stim­men "wan­dern" kann.
 
Wäh­rend in vor­an­ge­gan­ge­nen Epo­chen die Melo­die von ande­ren (nicht eigen­stän­di­gen) Stim­men nur gestützt wird, haben nun alle Ein­zel­stim­men eines Wer­kes eige­nen Cha­rak­ter und Wert. So beginnt man den Begriff der "Poly­pho­nie" zu ver­ste­hen: Die ver­schie­de­nen Stim­men wer­den selbst­stän­dig und line­ar geführt. Anders gesagt: Die melo­di­sche Eigen­stän­dig­keit der Stim­men hat Vor­rang vor der har­mo­ni­schen Bin­dung. Gewis­ser­ma­ßen kann man hier auch den wich­tigs­ten Gedan­ken der Renais­sance wie­der­fin­den: Jede Stim­me (jeder Mensch) ist für sich gül­tig wie wich­tig und muss sich weder ver­ste­cken, noch unterordnen.
 
Johan­nes Ockeg­hem (ca. 1420–1497) ist einer der wich­tigs­ten Kom­po­nis­ten die­ser Zeit. Er ist vor allem für sei­ne Mess­ver­to­nun­gen (mit zahl­rei­chen Imi­ta­tio­nen) berühmt.
 
Die franko-flämische Vokalpolyphonie vom Ende des 15. Jahrhunderts bis 1521 
Die­ser Zeit­ab­schnitt bil­det den Höhe­punkt der A‑cap­pel­la-Musik des 16. Jahr­hun­derts. Die Imi­ta­ti­on wird auf die Spit­ze getrie­ben und kul­mi­niert in der Durch­imi­ta­ti­on gan­zer musi­ka­li­scher Sät­ze. Durch Glie­de­rung der Stü­cke, Bil­dung von Abschnit­ten und Zuord­nung ver­schie­de­ner Stim­men, ent­steht in Ansät­zen der Ein­druck von Mehr­chö­rig­keit. Auf­fal­lend ist die Lust am vol­len Chor­klang. Auch die musi­ka­li­sche Abbil­dung des Tex­tes wird wei­ter­ent­wi­ckelt. Das führt dazu, dass die Musik immer wei­ter in den Dienst des Tex­tes gerät, was sie immer weni­ger auto­nom macht. Wich­tig wird jetzt auch die Dis­so­nanz (Miss­klang), die als Aus­drucks­mit­tel ent­deckt wird.
 
Die wohl wich­tigs­ten Kom­po­nis­ten die­ser Zeit sind Jos­quin Desprez (des­sen Todes­jahr 1521 das Ende die­ses Zeit­ab­schnitts begrün­det), Hein­rich Isaac (1450–1517) und Jacob Obrecht (1457–1505). Für Musik­for­scher Karl Hein­rich Wör­ner ist Desprez einer der "wich­tigs­ten Kom­po­nis­ten der abend­län­di­schen Musik­ge­schich­te", denn sei­ne Expres­si­vi­tät und Krea­ti­vi­tät lotet alle Berei­che der dama­li­gen Musik aus und über­rascht. Doch was ist damit gemeint? Dazu muss man sich vor­stel­len, dass vor Desprez schein­bar nie­man­dem auf­ge­fal­len ist, dass man ein "Glo­ria" (also einen Lob­ge­sang) in einem ande­ren Aus­druck kom­po­nie­ren könn­te, als ein "Mise­re­re Mei" (also eine Bit­te um Erbarmen).
 
Die franko-flämische Vokalpolyphonie von 1521 bis 1600 
In der Wei­ter­ent­wick­lung der sich immer mehr durch­set­zen­den musi­ka­li­schen Mit­tel (Durch­imi­ta­ti­on, pracht­vol­ler Klang, Text­be­zo­gen­heit, glat­te und can­ta­ble Gesangs­li­ni­en) liegt die Bedeu­tung die­ser Epo­che. Neben der als Norm ange­se­he­nen Vier­stim­mig­keit ent­wi­ckelt sich in den Vokal­kom­po­si­tio­nen nun auch Fünf- oder Sechs­stim­mig­keit sowie die Pra­xis der Ver­zie­rung (oder Aus­schmü­ckung): Geüb­te Sän­ger zie­ren ihre Melo­die aus, indem sie ihre Noten­wer­te ver­klei­nern (dimi­nu­ie­ren) und Töne hin­zu­im­pro­vi­sie­ren. Dazu ist ein enor­mes Ver­ständ­nis für die dama­li­gen Satz­tech­ni­ken und ‑regeln nötig. Denn die­sen sind die Wer­ke verpflichtet.
 
Ein Novum die­ser Zeit ist die Par­odie­mes­se, die ihren Ursprung in der Tenor­mes­se hat. Sie legt allen Mess­sät­zen ein mehr­stim­mi­ges welt­li­ches Madri­gal, Chan­son oder eine Motet­te zugrun­de. Manch­mal über­nimmt sie nur eine oder meh­re­re Melo­dien dar­aus, manch­mal aber auch eine Akkord­fol­ge des musi­ka­li­schen Sat­zes. Die Motet­te (nach­fol­gend ein Bei­spiel des bedeu­tends­ten Meis­ters die­ser Zeit, Nico­las Gom­bert, 1495–1560) gewinnt an Bedeutung.
 
Die franko-flämische Vokalpolyphonie von ca. 1550 bis 1600 
Auf­merk­sa­me Leser*innen wer­den sich viel­leicht gewun­dert haben, war­um sich die ver­schie­de­nen Zeit­ab­schnit­te über­lap­pen. Die zeit­li­che Ein­tei­lung der fran­ko-flä­mi­schen Vokal­po­ly­pho­nie wird nach ver­schie­de­nen Kom­po­nis­ten-Gene­ra­tio­nen vor­ge­nom­men. Sind bei­spiels­wei­se die Kom­po­nis­ten des vier­ten Abschnitts gegen 1500 gebo­ren, folgt etwa um 1520/30 die nächs­te Gene­ra­ti­on. Ab ca. 1550 über­nimmt Ita­li­en mehr und mehr eine Vor­rei­ter­rol­le in der Ent­wick­lung der Musik (dazu mehr im nächs­ten Kapi­tel). Die fran­ko-flä­mi­sche Vokal­po­ly­pho­nie ist dafür die Grund­la­ge und wird als die ver­bind­li­che Kom­po­si­ti­ons­wei­se und ‑tech­nik angesehen.
 
Der berühm­tes­te Kom­po­nist die­ser Zeit ist Orlan­do di Las­so (1532–1594): Er schafft durch den nicht mehr nur line­ar, son­dern auch har­mo­nisch gedach­ten Stim­men­satz den Über­gang zur Barock­zeit. Am fol­gen­den Musik­bei­spiel kann man das gut erken­nen. Auch die Ten­denz zur Mehr­chö­rig­keit ist gut zu hören. Bemer­kens­wert ist, dass sich di Las­so an alle gül­ti­gen Regeln des Kom­po­nie­rens hält, aber sie in alle Rich­tun­gen aus­lo­tet und aus­reizt. Das macht sei­ne Musik modern und zukunftsweisend.
 

Literaturverzeichnis & Quellen